Cómo las pinturas de Rubens, Van Dyck y Jordaens terminaron en un pequeño pueblo de los Urales

EN 1976 en el joven Museo Irbit Pushkin del Hermitage y el Museo Estatal de Bellas Artes con el nombre de Pushkin recibió una colección de pinturas y gráficos. En un museo provincial vacío había 11 pinturas y varios cientos de grabados y dibujos, entre los cuales se encontraban por casualidad las pinturas de Rubens y Van Dyck. Debían limpiarse y repararse, y para muchos, debía establecerse la autoría. El portal “Culture.RF” informa sobre las rarezas que se guardan en un pequeño pueblo de los Urales.

Dos bebés de Anthony van Dyck

En 1627, el artista flamenco Anthony van Dyck regresó de Italia a su ciudad natal de Amberes. Ya era un conocido retratista y maestro del grabado en Europa, por lo que la archiduquesa viuda del sur de los Países Bajos, Isabella Clara Eugenia, la princesa infanta española, le encargó un retrato ceremonial.

Este trabajo fue realizado por Van Dijk basado en un boceto pictórico de su maestro Peter Paul Rubens, que pintó en 1625. Representa a la archiduquesa como una mujer fuerte y severa con ropa monástica estricta: una túnica negra. Esta imagen reflejaba la realidad: después de la muerte de su esposo, el archiduque Albrecht, Isabel, en señal de dolor, acudió a la orden franciscana de Santa Clara, aunque no dejó el poder.

Van Dyck terminó su primer retrato en 1627. A Isabella le gustó tanto que le ofreció al maestro un trabajo como pintor de la corte y le otorgó una cadena de oro por valor de 750 florines, luego fue un salario de tres años de un buen carpintero. Van Dyck comenzó a pintar variaciones y copias de Retrato de la infanta Isabel. Las misiones diplomáticas de Isabel y la corte española a menudo los presentaron al otro lado durante las negociaciones. En el taller recién inaugurado, Van Dyck fue asistido por estudiantes: hicieron la base, pero el maestro siempre aplicó los toques finales.

Los investigadores lograron establecer que había más de una docena de retratos genuinos de la Infanta Isabella, con pequeños cambios, a los que Van Dyck echó una mano. Los originales se pueden ver hoy en el Kunsthistorisches Museum de Viena, en la colección del Museo Nacional de Liverpool, en la Galería Savoy de Turín.

La colección Hermitage contiene dos retratos de la infanta Isabel. Una de ellas, una generación, estaba en mal estado: cubierta con una capa de suciedad a largo plazo y barniz de baja calidad. Los especialistas de Petersburgo tomaron esta foto para una copia hecha por un maestro desconocido en el siglo 18 del original de Munich, y la enviaron a los almacenes. En 1976, el retrato terminó en el Museo Irbit junto con otros lienzos donados.

En la década de 1990, el Museo Irbit restauró la pintura. Resultó que el retrato es genuino, al menos fue completado personalmente por Van Dyck en 1628. Entre otras cosas, el sello de cera en la parte posterior de la camilla ayudó a determinar esto. Los investigadores sugieren que la pintura perteneció al embajador británico en Venecia, el barón Joseph Smith, un coleccionista y filántropo inglés. Hoy, el “Retrato de la infanta Isabel” se exhibe permanentemente en el museo.

Los ojos vivos de María Magdalena: el original de Rubens

Mary Magdalene y su arrepentimiento es un tema popular en el arte de Europa occidental. En contraste con la tradición ortodoxa, en la que la Magdalena es una esposa portadora de mirra, en la imagen católica se mezclaron dos personajes de los textos sagrados: la ramera sin nombre, que lavó los pies de Cristo con el mundo y los limpió con su cabello, y el Evangelio María, la hermana de la piadosa Marta y el Lázaro resucitado. Entonces apareció una historia en el catolicismo, donde la ramera Mary Magdalene se reunió con Cristo y se arrepintió, dejó su ocupación y lo siguió. Esta imagen se ha arraigado en grabados y lienzos occidentales sobre temas religiosos.

Peter Paul Rubens escribió su versión de la trama en 1618-1620. Hoy, la pintura “La penitente María Magdalena con la hermana Martha” se conserva en la galería del Museo de Historia del Arte de Viena, a donde vino en 1786.

Pero hay otra “María Magdalena penitente con la hermana Martha”. Las pinturas difieren en algunos detalles: las mujeres representadas tienen diferentes caras y cabello, la pintura vienesa tiene más joyas en el cofre y más fondo, y el velo rojo está hecho con menos detalle.

La “Magdalena penitente” fue descubierta solo a fines del siglo XIX. Donde el lienzo de casi dos metros se escondió antes, aún no ha sido posible establecerlo. Hasta 1917, esta pintura fue conservada por el famoso cirujano Alexander Yakobson. Después de la Revolución de febrero y la Guerra Civil, el lienzo fue a la oficina comercial de Antikvariat, que fue creada específicamente para la venta de objetos de arte en el extranjero. No tuvieron tiempo de venderlo, y en 1931 la pintura terminó en el Hermitage. En San Petersburgo, el lienzo fue confundido con una copia de la pintura de Rubens, a pesar de la diferencia en los detalles, que los copistas comunes generalmente no se permitían. “Penitente María Magdalena” fue al almacén durante 45 años. En 1976, la pintura, entre otras obras donadas, terminó en el Museo de Arte de Irbit.

En 2012, el lienzo fue enviado para su restauración. Después de limpiar la cara de Magdalena, los expertos vieron que debajo de varias capas de barniz sucio se ocultaba el original del trabajo de Rubens: cuando Rubens pintó los párpados, aplicó una capa de pintura roja y pintó encima con una capa delgada, translúcida y de esmalte corporal. Esta técnica hizo que los párpados se vean vivos y tensos.

Después de examinar las pinturas, el lienzo y el suelo, los expertos confirmaron que la pintura provenía del taller flamenco del siglo XVII. También fue posible establecer que los estudiantes de Rubens, Anthony van Dyck y Jacob Jordaens, también trabajaron en ello. El primero pintó la falda de Magdalena y la cara de su hermana Martha, el segundo, los brazos cruzados sobre su estómago, la figura y la ropa de Martha. Se cree que los Irube “Magdalena” Rubens, Van Dyck y Jordaens crearon un año antes de Viena.

Bosquejo de pintura perdida por Rubens

En 1602, el artista Peter Paul Rubens pintó una pintura a gran escala Lamentación de Cristo. El Entierro “. En una pintura que mide 180 por 137 centímetros, combinó dos temas cristianos: la Madre de Dios llorando a su hijo perdido y la Posición de Jesús en la tumba. La pálida Virgen María mira con lágrimas el cielo tormentoso, sosteniendo el cuerpo de su hijo; a su lado está José de Arimatea y la llorosa María Magdalena. El evangelista Juan, el discípulo amado de Cristo, está tratando de consolar a la Virgen. Hoy, el lienzo se exhibe en la sala de Júpiter y Antiope en la galería Borghese en Roma, junto con obras de Caravaggio, Tiziano, Rafael, Parmigiano y otros artistas.

Antes de comenzar a trabajar, los pintores serios generalmente escribían pequeños bocetos, muestras, que mostraban a los clientes. Rubens creó un bosquejo para la Lamentación de Cristo en 1601. Una pequeña pintura, de 36 por 46 centímetros, está escrita en una tabla de madera. Rubens utilizó la técnica de grisaille, en la que la imagen se realiza en tonos sepia, agregó un poco de color y aseguró el boceto con barniz. Este boceto se ha perdido por más de 300 años.

La imagen apareció después de la revolución de 1917, cuando comenzó una nacionalización a gran escala de los estados nobles en Rusia. En Moscú, el trabajo fue confiscado junto con el resto de la colección del empresario Boris Mandl. Unos años más tarde, cuando la pintura no se podía vender al oeste a través de la oficina comercial “Antigüedades”, “Lamentación por Cristo” terminó en el Hermitage. Los expertos consideraron el boceto original de Rubens como una copia y lo retiraron a los almacenes, y en 1976 fue transferido al Museo Irbit.

En 2016, se envió “Lamentación para Cristo” al laboratorio de expertos y restauración de la Universidad Estatal de Ural. Los especialistas llevaron a cabo la fotografía macro, observaron la imagen en el espectro ultravioleta e infrarrojo, hicieron radiografía y espectrometría capa por capa. Este último mostró que las pinturas contienen estaño, plomo, antimonio, arsénico y cobre, componentes característicos del siglo XVII. Y debajo de la capa de pintura, se encontró una pintura inferior, un boceto preparatorio realizado por el propio Rubens en un suelo de tiza. En el verano de 2019, los expertos de Hermitage confirmaron la autenticidad de la pintura.

Algunos de los grabados europeos más grandes.

En 1976, el Museo Pushkin. Pushkin donó más de 500 hojas de gráficos y dibujos originales al Museo Irbit, muchos de ellos necesitaban restauración. Estaban en tan mal estado que apenas podía ver el dibujo.

Entre las hojas se encontraban algunos de los grabados europeos más grandes: “La profanación de Cristo” de Francois Lango y “La última cena” de Paul Devaux, hechos de originales pintorescos de Anthony van Dyck y Rubens. Los grabadores franceses Lango y Deveaux trabajaron alrededor de 1660-1670 en el mismo taller; su maestro fue Pierre Landry, quien ordenó las impresiones.

La profanación de Cristo de François Lango es una interpretación gráfica de la pintura de Van Dyck La corona de espinas. El original murió en 1945 durante el bombardeo de Berlín. El grabado llegó a Irbit en mal estado: nueve hojas estaban cubiertas de tierra y moho negro. Durante la restauración resultó que no había rastros de pegamento en los bordes de las juntas y en la parte posterior de las láminas. Esto significaba que desde que las impresoras tomaron las impresiones, nadie había juntado las hojas. Los restauradores han estado trabajando en “La profanación de Cristo” durante casi dos años y medio y pudieron restaurarla. El grabado fue exhibido por primera vez en 1992. Solo se conocen dos copias de este grabado en el mundo: una se encuentra en el museo de arte de la ciudad española de Cáceres, la segunda se guarda en una colección privada en Alemania.

El grabado no se puede llamar una copia exacta de Van Dyck: Lango realizó varios cambios significativos en la composición. Giró a Cristo para enfrentar al espectador y agregó un brillo alrededor de su cabeza, por lo que el personaje parece separado del dolor, la humillación y las emociones de otros héroes. El grabado muestra siete atormentadores en lugar de cinco; no hay dos espectadores detrás de las barras pretorianas y un perro ladrando.

El autor del segundo grabado a gran escala, Paul Deveaux, creó una versión gráfica de La Última Cena a partir de un original pictórico de Peter Paul Rubens. La pintura ahora se conserva en la Galería Brera de Milán.

La trama del grabado está basada en la comida secreta de Jesucristo y sus apóstoles. Pero, a diferencia de Lango, Deveaux no realizó cambios significativos en la composición de Rubens. Colocó al apóstol Juan en la mano derecha de Cristo, y reemplazó al perro acostado debajo de la mesa con una jarra. La peculiaridad de la pintura de Rubens y el grabado de Deveaux es que Judas es el único personaje que no mira a Cristo, sino al espectador.

Autor: Maria Kuzmina